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L'âge d'or de l'animation nous a apporté un trésor de classiques chéris, beaucoup aux mains des Nine Old Men de Disney.
Comment ce collectif d'artistes a-t-il révolutionné toute une industrie ? Beaucoup vous diront que tout a commencé avec une souris, mais nous savons mieux. Leur véritable secret était un manifeste créatif décrivant les 12 ingrédients qui font une excellente animation.
Ces 12 principes intemporels sont tout aussi pertinents aujourd'hui qu'ils l'étaient à l'époque de leur conception.
1. Courge et étirement
Les animateurs n'ont aucun moyen de transmettre les propriétés physiques d'un personnage ou d'un objet autrement que par des indices visuels à l'écran. De nombreux animateurs vous diront qu'une bonne animation a moins à voir avec le design et les manières de vos personnages, qu'avec la réactivité de leur personnalité et de leur apparence à ce qui se passe autour d'eux.
Squash et stretch sont tous deux liés à la tendance de l'animation à « cartoonifier » la réalité. Le mouvement « naturel » de la balle rebondissant sur le sol est exagéré par la « réaction excessive » de la balle à la barrière.
2. Anticipation
Vous animez une scène qui se déroule dans une piscine publique. Votre protagoniste, un doux collégien, est sur le point de sauter du plongeon pour la première fois. Il y a de fortes chances que cet enfant timide ne soit pas sur le point de simplement prendre un dunk sans se préparer émotionnellement d'abord. Toutes ces considérations d'anticipation ajoutent une richesse distincte à votre monde.
Vos personnages sont maintenant, du coup, bien plus que des automates génériques peuplant la scène. Ils savent des choses. Ils ressentent des choses. Ils évitent la douleur et ils gravitent vers ce qui les ravit.
Ce principe, à bien des égards, a bien plus à voir avec la capacité de l'animateur en tant que conteur qu'autre chose. La clé de l'anticipation réside vraiment dans la façon dont l'action est écrite.
3. Mise en scène
Mise-en-scène est un terme dans le monde du cinéma d'action réelle. Il fait référence à l'orchestration des éléments à l'écran et à la manière dont l'auteur utilise cet espace pour faire passer son message. La même considération se poursuit spirituellement ici.
L'élaboration précise de la géographie du cadre vous permet de guider l'œil du spectateur, en gardant son attention exactement là où vous le souhaitez. Tout doit être exprimé clairement, délibérément et d'une manière qu'ils pourront retenir pour plus tard.
4. Pose pour poser vs. Animation directe
Choisir entre l'animation directe et pose à pose sera l'une des premières décisions techniques que vous devrez prendre avant de commencer à comprendre les choses. Cette dichotomie représente deux écoles de pensée distinctes.
Soit l'artiste trace son parcours à l'avance, destination par destination, soit tout simplement repart de zéro en explorant l'action qu'il souhaite mettre sur papier sans retenue.
Pose à Pose Animation
Imaginons que vous animez une femme qui étend du linge sur une corde à linge, par exemple. En réalité, il n'y a pas de délimitations nettes et ordonnées qui divisent cette séquence en portions.
Un animateur appliquant une approche pose à pose peut commencer par une image de la femme accroupie pour ramasser une chemise. La prochaine pose peut être sa position avec la chemise tendue devant elle.
Des poses sont ajoutées jusqu'à ce que tout le linge ait été pris en charge et qu'elle se soit retirée pour l'après-midi. Vous n'avez dessiné que cinq ou six images, mais la scène a déjà été créée dans une certaine mesure.
L'animation pose à pose est un excellent moyen de travailler si vous aimez savoir ce qui vous attend avant de partir. Ces premières images sont appelées images clés. Traditionnellement, ces cadres étaient dessinés par les membres les plus expérimentés d'une équipe d'animation.
Une fois que toute la production avait été tracée, les assistants de niveau junior remplissaient les blancs entre chaque image clé pour relier ces points de repère à l'action.
Animation directe
Faire passer votre personnage du point A au point B tout droit vous donnera parfois des idées nouvelles et inattendues. Pendant que vous dessinez, des étincelles de créativité peuvent revitaliser une action qui peut sembler figée ou mécanique si elle est dessinée pose à pose.
Vous êtes libre d'improviser et de faire un ou deux nouveaux tours au fur et à mesure de votre progression ; vous n'avez jamais à vous soucier de rencontrer quelque chose de spécifique 20 ou 30 images sur toute la ligne. Si vous animez en musique, vous pouvez marquer chaque image sur laquelle tombe le rythme de la chanson afin de coordonner l'animation et de lui donner une structure rythmique.
jouer de la musique du téléphone à la voiture
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5. Chevauchement des actions et suivi des actions
Lorsque les gens se déplacent naturellement, le poids de leurs membres et la façon dont ils sont lâchement associés au tronc de leur corps seront tous deux évidents. Imiter cet effet a moins à voir avec la création d'action, et plus à voir avec la façon dont votre sujet réagit physiquement après que l'action se soit déroulée.
Sans ces fioritures supplémentaires, les objets ou les personnages que vous dessinez peuvent sembler rigides et sans vie. Si les cheveux d'une belle femme sont plus clairs que l'air, ils devraient flotter autour d'elle lorsqu'elle bouge au lieu de pendre comme des spaghettis mouillés. Ou, pire : ne bouge pas du tout alors qu'elle se déplace élégamment à travers la pièce.
6. Calendrier
En tant que conteur, développer un sens du timing efficace ne fera pas seulement que votre travail aura l'air et se sentira mieux, cela rendra votre histoire plus cohérente, plus percutante et probablement beaucoup plus facile à digérer pour votre public.
Cette catégorie peut être interprétée au sens large. Les attributs physiques de chaque élément à l'écran doivent être caractérisés par la synchronisation de son mouvement.
Il est également important de considérer à quel point votre sens du timing dramatique ou comique est adapté. Vous ne pouvez pas donner à votre public plus qu'il ne peut mâcher à la fois. Inversement, vous voulez également éviter de les ennuyer avec un cadre terne ou un air mort. L'équilibre est la clé. Engagez-les sans les submerger ou les confondre.
7. Arc
Imaginez un enfant qui lance une balle en l'air. Lorsque la balle retombe, elle tombe vers l'avant, selon la direction dans laquelle elle a été lancée.
Une fois que la balle a atterri, reculer et tracer son chemin dans l'air révélera une courbe à l'envers. Les objets liés par la gravité se déplacent en arcs comme ceux-ci chaque fois que leur mouvement défie les lois de la nature. Garder cette tendance à l'esprit vous permettra de planifier des modèles de mouvement qui se vendent.
8. Action secondaire
Le lexique de l'animateur est truffé d'indices inconscients subtils. Lorsque vous tournez dans un contexte d'action réelle, la robe de votre principale dame se balance sur ses mollets lorsqu'elle se déplace. Cette action secondaire est passionnante pour le spectateur. Cela fait avancer les choses.
L'action secondaire peut également inclure des signaux émotionnels. Votre personnage tripote ses pouces tout en essayant d'expliquer une situation inhabituelle à un ami. Ils s'émoussent en parlant ; chaque pièce d'action secondaire doit être un indicateur de l'état interne du personnage.
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9. Ralentir et ralentir
Ce principe fait référence à la tendance historique des animateurs à « rallier » leur travail autour de chaque image clé pré-dessinée, s'ils utilisent une telle approche. Essentiellement, plus d'images sont dessinées autour de ces images clés qu'il n'y en a plus entre les deux, ce qui fait deux choses pour le public.
Tout d'abord, il met l'accent visuellement sur chaque image clé, car plus de temps est consacré à la transition entre ces poses clés qu'il n'en passe entre elles. Deuxièmement, cela réduit le temps d'attente du public entre ces moments beaucoup plus significatifs du point de vue narratif.
Ce que les gens veulent vraiment voir, ce sont toutes les choses étranges qui ponctuent ces brèves accalmies passées à voyager de scène en scène.
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10. Dessin solide
Cela sera difficile à entendre pour les avant-gardistes d'entre nous, mais votre capacité technique en tant qu'artiste jouera un rôle important dans l'efficacité avec laquelle vous êtes capable de transmettre l'action à l'écran.
Renforcer la perspective, le raccourcissement et même les principes de la géométrie de base gardent chaque corps diégétique solide comme un roc et parfaitement cohérent d'une image à l'autre (lorsque vos personnages ne sont pas trop occupés à écraser et à étirer, bien sûr).
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11. Exagération
Pourquoi les gens aiment les dessins animés ? Qu'est-ce qui rend le support plus adapté à certains types d'histoires que, disons, l'action en direct ou même une performance sur scène ?
Nous nous tournons vers le monde de l'animation lorsque notre vision dépasse ce qui peut être fait physiquement. Lorsque nous devons tout dessiner dans la scène de bas en haut, nous nous retrouvons avec beaucoup d'autorité sur la façon dont tout finit par ressembler, ressentir et se dérouler.
12. Appel
En tant que fervents dévots de l'école de pensée Andrew Loomis, nous croyons vraiment que cette partie vient de vous. Votre niveau de compétence, votre expérience personnelle et vos passions dans la vie joueront tous un rôle essentiel dans la façon dont le pain sort du four, pour ainsi dire.
L'attrait peut être difficile à quantifier; certains prétendent que ce n'est rien que vous puissiez planifier. La plupart d'entre nous se jettent simplement contre le mur jusqu'à ce que quelque chose commence à coller ; il n'y a aucune honte dans le processus.
Votre art vous surprendra et vous ravira après avoir dessiné pendant un certain temps. Tout ce que vous avez à faire est d'essayer.
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Ils disent que chaque artiste crée 10 000 dessins terribles avant de vraiment commencer à faire de son mieux. Notre philosophie : plus tôt vous commencez, mieux vous finirez.
Les 12 points précédents sont tous un excellent point de départ pour un débutant. La seule façon de devenir un véritable grand artiste, cependant, est de pratiquer avec ferveur et de tout cœur chaque jour.
Un gribouillage le matin ? Une séance de sketch après l'école ou le travail ? Une fois que vous avez compris, il peut être difficile de reposer le crayon.
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Emma Garofalo est une écrivaine actuellement basée à Pittsburgh, en Pennsylvanie. Lorsqu'elle ne travaille pas à son bureau à la recherche d'un avenir meilleur, elle se trouve généralement derrière la caméra ou dans la cuisine. Acclamé par la critique. Universellement méprisé.
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